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Nomade et défricheur, Dowdelin explore un chemin où s’assemblent jazz créole, dancefloor électronique et percussions antillaises pour façonner un feeling Future Kréol unique.

L’Atlantique noir… Titre d’un ouvrage important de Paul Gilroy, sociologue anglais, théorisant le fait « qu’il existe une culture hybride, qui n’est ni africaine, ni américaine, ni caribéenne, ni britannique, mais tout cela à la fois : l’Atlantique noir. » Un monde d’échanges culturels et d’incessants allers/retours, où la musique est centrale. Un univers d’emprunts multiples et réciproques qui, esthétiquement, colle à merveille à Dowdelin, trio lyonnais explorant l’afro-futurisme dans sa version créolisée, plongeant les traditions des Antilles françaises dans un grand bain de jouvence électronique réchauffé au jazz, comme peu l’ont fait jusqu’ici. 

Nouvelle itération des aventures musicales de David Kiledjian alias Dawatile, musicien aguerri et producteur lyonnais, la formation Dowdelin est une fenêtre ouverte sur la musique créole d’aujourd’hui. 

En éternel défricheur, David marque avec Dowdelin un nouveau chapitre dans son combat contre les catégories figées en musique, à l’image de ses projets (Armad & Cyme, Plaster Cats, Fowatile, HILA) et ses collaborations, notamment avec Tigran Hamasyan, prodige du piano jazz et dépositaire de l’héritage culturel arménien.


Feeling créole

Tout a débuté, ou pas tout à fait, quand la chanteuse Olivya contacte David Kiledjian, alors en pleine aventure Fowatile (projet de future funk mâtiné de hip-hop largement repéré des amateurs de groove 2.0). Ce n’est pas encore le moment et Dawatile doute alors de la pertinence d’un groupe aux influences soul en anglais, avec une chanteuse non anglophone… Mais le contact n’est pas rompu, et une année plus tard, une idée germe : et si Olivya chantait en créole, sa langue maternelle, elle qui est martiniquaise ? Banco. Tous deux enchaînent les heures scotchés à l’ordinateur, creusant les pistes, testant les gimmicks, explorant les trames, se saisissant d’un micro ou d’un instrument dès qu’une idée prend forme. C’est ainsi que naît Dowdelin : à deux, dans l’échange permanent, dans la quête d’un feeling créole percuté par l’électronique.


De l’art de la mixologie

Chercher le bon dosage, telle est alors la quête. Trouver l’ingrédient surprise qui relèvera le goût, ou celui plus discret qui ne sera là que pour magnifier l’ensemble. En cocktail comme en musique, la méthode est la même.

Dowdelin illustre cet art du mélange : chercher la saveur ancestrale reconnaissable dans l’instant, la coupler avec une influence peu usitée, shaker le tout pour créer la texture qui fera la différence. On pense parfois à Max Cilla, le flûtiste, à Jacques Schwarz-Bart, le saxophoniste… mais aussi au travail du collectif Mawimbi sur les musiques africaines.

S’ancrant dans la bouillonnante scène afro-futuriste, confirmant le retour des influences caribéennes dans la pop française, Dowdelin devient trio quand David pense à un vieux compagnon de route qu’il n’a pas croisé depuis des lustres : Raphaël Philibert, poly-instrumentiste guadeloupéen omniprésent sur la scène jazz (tous deux avaient joué dans le même groupe de jazz caribéen), saxophoniste pour Sonny Troupé, mais également orfèvre des percussions afro-cubaines et joueur de Gwoka. Il vient se greffer sur le répertoire déjà ébauché : it’s a match !


Un grand orchestre, mais à trois

Dowdelin transcende l’exercice de style et les connivences avec deux multi-instrumentistes, qui par leur expérience, leur polyvalence et leur vision, ouvrent le champ des possibles à une chanteuse s’exprimant dans sa langue maternelle. « Je savais qu’avec lui, si je lâchais la basse et les claviers et lui les percus, on aurait une section de cuivres tout en restant à trois » explique David. L’objectif est de rester souple. Tout est en place pour faire émerger ce son estampillé Dowdelin, aussi innovant qu’imprégné de l’air du temps. S’ensuivent les résidences (la Friche Lamartine, Projet Bizarre!), et les premiers concerts (Jazz à Vienne notamment) qui démontrent d’emblée la pertinence du projet. Loin des rôles à tenir et des poncifs, le groupe remet au premier plan, les notions d’expression et de liberté dans la musique. Olivya, chanteuse instinctive, affirme vite son aisance scénique et vocale, mêlant langueur et puissance dans son chant, l’une faisant écho aux influences jazz, l’autre faisant contrepoint à la production électronique de l’ensemble que Dawatile, réalisateur reconnu, façonne avec dextérité. Dans ses chansons, Dowdelin aborde les thèmes propres aux cultures afro-caribéennes, dans un registre musical afro-américain et véhiculé en langue créole. Une configuration linguistique et musicale rare, là où l’anglais prédomine dans l’interprétation de musique actuelle. Slowdown », illustre à merveille l’imaginaire du projet Dowdelin : c’est un texte invitant à se retrouver, à se recentrer face à toutes les sollicitations du quotidien, tandis que Laissé Mwen, premier extrait de l’album, parle du refus des étiquettes que l’on voudrait mettre sur les gens comme sur la musique… Un patchwork musical réussi, reflété par la pochette post-moderne aux références antillaises, comme par la scénographie du live, conçue en collaboration par Fred Durieu (développeur d’algorithmes dédiés à l’art, qui génèrent de l’image en temps réel) et Benjamin Vedrenne (également auteur de la scénographie « cube » de Étienne de Crécy).

Dowdelin : assurément, à suivre. --- Dowdelin Dowdelin explores as a tireless ever moving trailbazer a path where Creole jazz, electronic dancefloor sounds and Caribbean percussions come together to create a unique Future Kréol feeling. The Black Atlantic, title of an important work by Paul Gilroy, an English sociologist, states the theory that “there is a hybrid culture, which is neither African, nor American, nor Caribbean, nor British, but all that at the same time: the black Atlantic. ” It is a world of cultural exchanges and incessant back and forth, where music is key/central. A universe of multiple and reciprocal borrowings that, aesthetically, sticks perfectly to Dowdelin, a Lyon-based trio exploring Afro-futurism in its Creolized form, plunging the traditions of the French West Indies into a great fountain of electronic youth glazed in jazz, in a way that few have so far. The Dowdelin group is a new iteration of the musical adventures of David Kiledjian aka Dawatile, seasoned musician and producer. lyonnais producer. It is a window opened on the Creole music of today. As an eternal pioneer, David marks with Dowdelin a new chapter in his fight against frozen categories in music, as showcased with his other projects his projects as well (Armad & Cyme, Plaster Cats, Fowatile, HILA) and his collaborations, including with Tigran Hamasyan, the jazz piano prodigy and custodian of the Armenian cultural heritage. Creole Feeling It all began, or not quite actually, when the singer Olivya contacted David Kiledjian, then in the middle of his Fowatile adventure ( a project of future funk infused with hip-hop well-known by 2.0 groove enthusiasts). It is not yet the moment and Dawatile then doubts the relevance of a group with the soul influences in English, with a non English-speaking singer… But they stay in touch, and a year later, an idea sprung: what if Olivya sang in Creole, her mother tongue, she, who is Martinican? Banco. They spent countless hours glued to the computer together, looking for the right track, trying out gimmicks, exploring threads, grabbing a microphone or an instrument as soon as an idea takes shape. This is Dowdelin’s genesis: two individuals, constantly exchanging, in a quest for a Creole feeling chiseled by electronics. Of the art of mixology Seeking the right dosage then becomes the ultimate quest. In other words, find the surprise ingredient that will enhance the taste, or the subtler one that will only help magnify the whole. In cocktail as in music, the method remains the same. Dowdelin illustrates this art of blending: the search for the recognizable ancestral flavor in the moment, pairing it with an unusual influence, shaking everything to create the texture that will make the difference. We sometimes think of Max Cilla, the flutist, to Jacques Schwarz-Bart, the saxophonist … but also to the work of the collective Mawimbi on African music. Being embroidered in the bubbling afro-futuristic scene and confirming the return of Caribbean influences in French pop, Dowdelin becomes a trio when David thinks of an old fellow musician whom he has not met in ages: Raphael Philibert, Guadeloupian poly-instrumentalist omnipresent on the jazz scene (both had played in the same Caribbean jazz band), saxophonist for Sonny Troupé, but also a goldsmith in Afro-Cuban percussions and a tried Gwoka player. He is added to the sketched repertoire : it’s a match! A large orchestra of three Dowdelin transcends the exercise of style and complicity with two multi-instrumentalists, who by their experience, versatility and vision, open the field of possibilities to a singer speaking in her native language. “I knew that with him, if I dropped the bass and the keyboards and he did so with the drums, we would have a brass section while remaining three,” said David. The goal is to remain flexible. Everything is set up to make this patented Dowdelin sound emerge, innovative as well as imbued with the times. The first residences follow (at La Friche Lamartine, Projet Bizarre!), then the first concerts (Jazz in Vienna in particular) which demonstrate from the get-go the relevance of the project. The group brings to the forefront the notions of expression and freedom in music while steering clear of the fixed roles and the clichés. Olivya, who’s an instinctive singer, quickly asserts her scenic and vocal ease, mixing languor and power in her singing, the former echoing jazz influences, the latter being the counterpoint to the electronic production of the ensemble that Dawatile, as a seasoned producer, shapes with dexterity. In the songs, Dowdelin tackles the themes of Afro-Caribbean cultures, in an African-American music genre conveyed in Creole. A rare linguistic and musical configuration, in the current music in which English is traditionally predominant lyrically-speaking. Slowdown “, perfectly illustrates perfectly the imaginative side of the Dowdelin project: it is a text inviting to meet, to regroup in the face of all the sollicitations of daily life, while Laissé Mwen, first track of the album, speaks of the refusal of labels that some would like to impose on people and music as well… This results in a successful musical patchwork, illustrated by the post-modern cover filled with caribbean references, as well as it is by the scenography of the live show which is the result of the collaborative work off Fred Durieu, a developer of algorithms dedicated to art whose work allowed to generate an image on stage in real time and Benjamin Vedrenne who can also be credited as the author of the “cube” by Étienne de Crécy. Dowdelin: A group to follow, for sure.

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Depuis des années, le franco- anglais installé à Paris FLOX, sème ses graines de NU REGGAEsur toutes les scènes de France et cultive un nouveau genre entre le roots et l’électro. Influencé par la culture jamaïcaine, de LKJ à The Police en passant par la modernité de Fat Freddy’s Drop, FLOX nous propose aujourd’hui son 5ème album HOMEGROWN.« BIENVENUE DANS MON JARDIN » Même si les 4 albums précédents illustrent au mieux l’univers de l’artiste, sa personnalité et son parcours, HOMEGROWN, est celui qui nous rapproche au plus près de FLOX. Cette nouvelle production locale, nous en dit plus sur son état d’esprit.Être et surtout rester authentique même si cela demande parfois de se «mettre en danger », faire toujours ce que l’on ressent sans aucune concession.Faire soi-même pour soi-même et partager au final ce qu’il y a de plus honnête en nous. «TOUJOURS TENIR SES PROMESSES » Et puis Flox l’avait promis à ses fans, le prochain serait 100% « nu-reggae ». Après 8 années de carrière solo c’est avec un album à la voix maitrisée et aux vibes purement reggae qu’il respecte sa promesse. Un album solide, qui raconte une histoire à travers des textes profonds. Anglo-French binational FLOX has been sowing his “NU REGGAE “ seeds for years now in venues all around France, and a new genre has sprung up [sprouted ?], somewhere between roots reggae and electro.Deeply influenced by the Jamaican Culture, from LKJ to The Police, to the more modern Fat Freddy’s Dop, FLOX now delivers his 5th album : HOMEGROWN « WELCOME TO MY GARDEN »Even though the 4 past albums already perfectly comprised the richness and diversity of FLOX’s universe and personnality, HOMEGROWN takes us to a more intimate place, closer to his state of mind, revealing his endeavour to remain genuine regardless the cost, to follow his gut without compromise. More than « do-it-youself », HOMEGROWN conveys a « do-it-for-yourself » message, in which the final more honest fruit is to be shared all around. « ALWAYS KEEP YOUR PROMISES » FLOX fans had been warned : “next one will be 100% « Nu-Reggae » !“Pursuing a very eclectic 8 year solo career FLOX returns with a solid album, in which the warmth of his voice and the depth of his lyrics never betray an unswerving reggae atmosphere, thereby fulfilling his promise.

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Montenegrin-French composer, arranger, conductor, keyboardist, percussionist, vocalist and producer, born May 20th, 1941 in İstanbul, Turkey. French resident since 1960. He has published many works, most of them on library labels not available for sale to the public. His oeuvre stretches from classical, jazz, and funk to pop, psyche, and easy listening. The hip-hop producer Dr. Dre sampled much of Nilović’s piece « Underground Session » for his track « Loose Cannons » from the album Compton. Producer No I.D. sampled Nilović’s song « In the Space », for Jay-Z’s « D.O.A. (Death of Auto-Tune) », on the album The Blueprint 3.In 2010 Nilovic won a Grammy award for the rap song « D.O.A.(Death of Auto-Tune), » along with Shawn Carter, Ernest Wilson, Gary DeCarlo, Dale Frashuer, Paul Leka, and Dave Sucky Sampled also by The beatnuts and Joey Badass.

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Amateurs de HipHop et de Soul vous n’avez plus à rougir du made in France ! Après un premier album, Treat Me Right, empreint de sonorités soul classique et salué par les médias de part le monde *, John Milk revient avec Paris Show Some Love, nouvel opus R&B moderne aux textes engagés.Osant la synthèse de JayDilla et de Prince, John Milk impose son authenticité et sa singularité avec un album ambitieux totalement auto-produit où les sonorités vintage des enregistrements à bande rencontrent la musique électronique la plus moderne.Fort de son expérience en tant qu’ex patron de label (Ka Records) et de ses collaborations avec plusieurs labels soul parisiens (Heavenly Sweetness, Favortie Recording) John Milk a souhaité une synthèse des méthodes d’enregistrement les plus diverses , usant d’un enregistrement live sur un Tascam 8 pistes analogiques, invoquant la chaleur des bandes à l’ancienne, introduisant le beatmaking et la culture hip-hop grâce à de nombreuses machines, telles que les boîtes à rythmes, Mogg, synthétiseurs, samplers … un patchwork musical, une mosaïque de sons ouverte aux expérimentations. Les paroles sont quant à elles écrites dans un second temps, une fois l’énergie musicale des morceaux délivrée.Un travail d’orfèvre, de sculptures sonores ou les textes les plus engagés et les plus profonds viennent se greffer à des mélodies entêtantes.Paris Show Some love est un album à messages, un album conscient.Pour son auteur, la période de création a été fortement marquée par les tragiques attaques terroristes qu’a subies Paris, sa ville.Le titre « Paris Show Some Love » est d’ailleurs un hommage vibrant, un message poignant, dédié aux victimes de la terrible soirée du 13 novembre 2015.Sur cet album, John Milk offre une réflexion personnelle et intime sur la capacité de chacun à créer sa propre voie, et s’interroge sur la capacité de chaque être humain à faire bouger les lignes dans cette période ou la création, la modernité sont la meilleure réponse à l’obscurantisme.Inspiré par la scène rap et soul US actuelle de TDE à MELLOWMUSIC, en passant par STONETHROW, de The Internet à Anderson Paak, Childish Cambino, John Milk propose un album ambitieux où à la manière des grands maîtres de la peinture, il délaisse le classicisme de la soul vintage pour nourrir une nouvelle voie, la sienne, celle de la synthèse et de l’expression libre qui fait de Paris Show Some Love un album rare dans le paysage de la scène soul hexagonale et européenne. John Milk un espoir confirmé qui porte bien haut les couleurs du groove sans frontière ! After being compared with Mayer Hawthorne on his first world acclaimed* classic soul album, Treat Me Right, John Milk is back with Paris Show Some Love a piece of modern and engaged R&B. Synthesis between JayDilla and Prince,John Milk delivers a genuine and solid recording based on real to real tape machines and electronic sounds.Previously working as artistic director of his own record label (Ka Records) and collaborating as a singer with Mr President and Blundetto (Heavenly Sweetness, Favortie Recording) John Milk is now on a new vibe, merging all kind of recording processes, live recordings on reel to reel 8 tracks Tascam, introduicing beatmaking and hip-hop culture with numerous machines, samplers and keys … a musical patchwork which has been open to all kinds of experimentations. Songs where composed on top of instrumentals. The creative process is about delivering the right energy once the music transmits the appropriate atmosphere. All songs are focus on having catchy hooks as much as conscious lyrics.Paris Show Some love is a message album. Creating music in the city of love during one of the most violent year for a longtime…this contradiction has been the fuel to his creativity. The song « Paris Show Some Love » is specialy dedicated to the tragic night of november 13th 2015.John Milk offers a personnal reflexion on our capacity to find our way and moves beyond the lines and create. Inspired by the US Hip-Hop and Soul scene like TDE, MELLOWMUSIC, STONETHROW, The Internet, Anderson Paak or Childish Cambino, John Milk proposes an ambitious album, developing his own style out of all restricted musical codes and musical families. Without any doubts, Paris Show Some Love is a rare album on the French and European soul scene. HipHop and Soul headz gonna love the frenchy!

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Otis Stacks. Trois syllabes. Un prénom et un nom qui renvoient à un chanteur devenu mythe ainsi qu’au label de Memphis qui lui assura de grandes heures. A lui en particulier, à la soul en général. Derrière ce patronyme qui sonne familier, Elias Wallace et Justmike, deux hommes réunis pour n’en former qu’un seul : Otis Stacks. Soit la version optimisée d’un travail commencé bien en amont. Quand Justmike officiait à la production hip hop des danois Dafuniks et décidait de contacter Elias après avoir découvert sa voix sur le titre d’un ami. D’abord pour lui faire poser un refrain. Puis un couplet. Puis par lui donner les commandes complètes d’All I Want, titre avec lequel Dafuniks allaient s’ouvrir les ondes et les portes de l’Europe. Faisant d’Elias un membre du groupe après qu’il ait englouti kilomètres, océan et mer séparant sa Californie du Danemark. Inspiré par la voix et la présence d’Elias à mesure que s’égrenaient dates et scènes, Justmike a alors commencé à imaginer puis construire une collaboration en binôme. Premier résultat concret de leur entente, le titre Fashion Drunk infiltrera les playlists de Nova ou de FIP quand le clip atteindra huit millions de vues. Une connivence devenue évidence, aujourd’hui prolongée sur le format d’un album, lui aussi nommé Fashion Drunk, et dont la sortie sur Underdog Records, complète l’axe musical Californie – Danemark avec un passage par la France. Une fusion artistique, où Justmilke a branché instruments et machines pour ses compositions, laissant Elias assurer textes et interprétation. Où la soul s’imprime en fil directeur dans un composite organique et numérique. Dans une production éthérée et aérienne qui perche ses arrangements dans les airs du mix ou les enfouie dans ses soubassements, laissant l’electro se répandre sur un groove poinçonné de touches noires et blanches. Chaque élément intervenant avec discrétion pour laisser les histoires d’Elias se raconter avec élégance et raffinement. Des histoires d’amour contrariées, déçues ou avortées. De cet amour qu’on ne possède jamais vraiment, même si on prétend nous l’avoir donné. --- Otis Stacks. Three syllables. A name and a first name that recall a mythical singer as much as the Memphis music label that got him to it’s days of glory. A name that evokes him in particular and soul music in general. Behind a name that sounds familiar are Elias Wallace and Justmike, two men united to become one: Otis Stacks. In truth, the optimized version of a work started long ago, when Justmike was producing the Danish hip-hop sound of Dafuniks and decided to get in touch with Elias after hearing his voice on a friend’s tune. He first wanted him to lay his voice on a chorus, then a verse, and ended letting him take over the lyrics of All I Want, the song that would later bring Dafuniks on air and around Europe. After traveling miles and miles across the ocean and the seas separating California from Denmark, Elias undeniably became a member of the group.As gigs went on, stages after stages, Justmike got inspired by Elias’s voice and presence. Thus, the idea of a duo collaboration between the to men geminated and grew in his mind. As the evidence of their getting along, Fashion Drunk became the first tune to infiltrate Nova and Fip radio playlists, as its music video reached 8 million views. This now obvious complicity as extended in the form of an album, also called Fashion Drunk, released by Underdogs Records. With this French stopover, the line between California and Denmark is now completed. The result is an artistic fusion in which Justmike has plugged his instruments to the machines he uses to compose, letting Elias in charge of the lyrics and singing. Here, the soul music is printed as a guideline in an organic and digital composite matter. In an ethereal and aerial production that perches its arrangements in the air of the mix or buries them in its bases, letting electro music spread on a groove punched with black and white keys. Each element intervenes with discretion to let Elias stories be related with elegance. Frustrated, disappointed or aborted love stories. This love that we never really have, even when one claims to have given it to us

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Parson Jones est un arbre. On ne rigole pas : dans le duo américain, aucun des membres ne s'appelle Parson ou Jones. L'un, chanteur, a pour nom Joshua Hollenstein. L'autre, multi-instrumentiste et producteur surdoué, est Kerry Fogarty. Parson Jones, lui, est donc un arbre. “Un séquoia géant, que l'on a repéré près de chez nous, dans le Parc Naturel d'Armstrong, au nord de la Californie. Il a le droit à sa propre plaque. Et à son nom.” Parson Jones a 1 500 ans. Il méritait bien ce traitement de faveur. “Des fois, les gens nous appellent Parson & Jones, ils veulent savoir qui est Parson, qui est Jones !”, s'amuse Kerry. En 2014, sur un premier single pour le label français Underdog Records déjà, le duo chantait des rimes étranges, où il était question de souvenirs du futur. Et c'est précisément là, entre hier et demain, dans un présent agité, que s'étaient installés les deux Californiens, le temps d'un remarquable Make and Model. On y entendait, joué sans effort, sans chiqué, un mélange de soul et de pop psychédélique, une rencontre entre OutKast et Grizzly Bear, du groovy et du hippie : on ne pouvait qu'en sortir happy. Le groupe, qui se connaît depuis la fin de l'adolescence, a effectivement écouté beaucoup de musiques. Et a choisi de voyager avec tous ses bagages, comme le revendique Kerry Fogarty. “J'ai empoigné ma première guitare à 13 ans, j'étais un garçon un peu empoté, c'était ma seule façon de me faire remarquer par les filles ! Je me suis vite pris a jeu, je voulais jouer tout Led Zep, puis tout Nirvana, puis Al Green et Curtis Mayfield, puis du hip-hop… J'ai ensuite découvert les producteurs, leur apport fondamental à la musique. La technique m'obsède. Depuis, je ne quitte plus mon home-studio ! J'ai des centaines de chansons en chantier. Même s'il y a des dangers : par exemple, il faudrait être vingt sur scène pour parfaitement adapter notre nouvel album ! Dans la vie de tous les jours, je stérilise du matériel médical. Ça finance ma musique… Là encore, je vis en laboratoire ! Le studio est mon cocon, un endroit où je me sens bien, en sécurité.” Son inadaptation au monde, le groupe l'affirme un peu plus sur son album Clear As Day. Trop futuriste, comme Tame Impala, pour se contenter du revival vintage, mais aussi trop bien éduqué aux meilleures écritures de la sunshine pop, Parson Jones est une anomalie. Voilà un groupe capable d'envisager le futur avec enthousiasme et de contempler avec effroi le passé. Ou l'inverse : euphorie et dystopie jouent à cache-cache tout au long de ces dix chansons qui peuvent provoquer hallucinations et troubles spatiotemporels. “J'adore imposer des mélodies radieuses sur les paroles les plus tristes et obliques de Josh”, affirme Kerry. Ces navettes (spatiales) entre les époques et les genres, entre soleil radieux et marée noire, peuvent facilement échapper, dans toute leur humilité, leur subtilité, au radar du public. On peut ainsi déguster Clear As day comme un sorbet à l'acidité faussement inoffensive. Ou danser sans fin sur ces refrains murmurés d'une voix chaude, prenante. Car à la pop, à ses attrape-cœurs fatals, les chansons de Parson Jones n'échappent pas : tout est ici refrains et harmonies, dans la plus grande tradition de la pop locale. Kerry revendique d'autres influences locales. “Il y a à chaque session du dimanche le rituel du cannabis. L'album doit pas mal à ces substances. Nous sommes californiens après tout ! Le psychédélisme, malgré nous, se glisse dans nos chansons. Sinon, peu de choses sont laissées au hasard dans notre musique, nous suivons de manière assez stricte notre plan de vol. Même si nous finissons avec des kilomètres de bandes d'expérimentations ! Des chansons finissent par nous échapper, restent coincées dans nos têtes. Notre musique me réveille la nuit !” La pochette prévient de la perversité des intentions du duo. Elle met en scène un palmier planté devant un ciel bleu californien. Sauf qu'un nuage s'est accroché à son tronc, comme un cache-col un soir d'été. Une façon d'envisager le mythe de l'été sans fin, avec un soleil voilé, contrarié. D'ailleurs, autour de chez Josh et Kerry, on trouve vignes et séquoias. Pas le moindre palmier radieux. On reste en Californie du Nord quand on dit à Kerry que son nom de famille, Fogarty, est très proche de celui de John Fogerty. Ses yeux s'illuminent. “Son groupe, Creedence Clearwater Revival, est l'un de mes préférés de tous les temps. Sa façon d'intégrer la soul au rock est unique. J'ai beaucoup appris de leur son.” Sans démonstration de style, Parson Jones envisage ainsi toutes les musiques qui font danser les fesses et méditer les cerveaux. Souvent dans la même chanson, les températures jouent au yo-yo, mais c'est la bienfaisance, la générosité, la nonchalance des mélodies qui ont le dernier mot. Peu importe alors si l'habillage est funk, rock, pop, soul, psychédélique, si le ton est euphorique ou mélancolique : c'est la grande et belle partition de la pop-music intemporelle que joue Parson Jones. Les paupières closes, les yeux tournés vers l'intérieur et l'air supérieurement cool. Une fois encore, des vies ont été sauvées par un Walkman. “Quand j'étais gosse, mes parents avaient des cassettes des Beatles. Je les écoutais sans répit. Ça a été le début de mon obsession pour la musique. De ma quête. Si ça ne tenait qu'à moi, je ne ferais que ça : écouter et créer de la musique. Quand je découvre une nouvelle chanson qui me bouleverse, je redeviens un enfant.” ------ Parson Jones is a tree. No joke: in the American duo, neither member is named Parson or Jones. One, singer, is Joshua Hollenstein. The other, multi-instrumentalist and producer, is Kerry Fogarty. So Parson Jones is a tree. "A giant redwood that we spotted near us at Armstrong Woods in northern California.” He has the right to his own plaque. And to his name. Parson Jones is 1,300 years old. He deserved this special treatment. "Sometimes people call us Parson & Jones, they want to know who Parson is, who Jones is," Kerry laughs. In 2014, on a first single for the French label Underdog Records , the duo was singing strange rhymes, where there was talk of memories of the future. And it is precisely here, between yesterday and tomorrow, in an agitated present, that the two Californians had settled, the time of a remarkable Make and Model. One could hear, played effortlessly, without flickering, a mixture of soul and psychedelic pop, a meeting between OutKast and Grizzly Bear, groovy and hippie: we could only leave happy. The band, which has known each other since the end of adolescence, has indeed listened to a lot of music. And chose to travel with all of their luggage, as claimed by Kerry Fogarty. "I grabbed my first guitar at age 13, I was an awkward kid, it was the only way to get girls to notice me! I learned quick- soon I wanted to play everything by Nirvana, then all Led Zeppelin, then Al Green and Curtis Mayfield, then hip-hop ... then I discovered the producers, their fundamental contribution to music. The technique obsesses me. Since then, I haven’t left my home studio! I have hundreds of songs under construction. Even if there are dangers: for example, it seems like we’d need twenty people on stage to perfectly adapt our new album! In everyday life, I sterilize medical equipment. It finances my music ... Again, I live in the laboratory! The studio is my cocoon, a place where I feel good, safe. " His discomfiture with the world aside, the group says a little more about their album Clear As Day. Too futuristic, like Tame Impala, to be content with vintage revival, but also too well educated to the best writing of sunshine pop, Parson Jones is an anomaly. This is a group that can look to the future with enthusiasm and contemplate with horror the past. Or the opposite: euphoria and dystopia play hide and seek throughout these ten songs that can cause hallucinations and spatiotemporal disorders. "I love to impose glowing tunes on Josh's saddest, oblique lyrics," says Kerry. These (space) shuttles between eras and genres, between bright sunshine and the oil spill, can easily escape, in all their humility, their subtlety, under the radar of the public. You can taste Clear As day as a sherbet with false-harmless acidity. Or dance endlessly to these murmured choruses in a warm, engaging voice. Because to pop, to his fatal heart catcher, the songs of Parson Jones do not escape: everything is here refrains and harmonies, in the greatest tradition of local pop. Kerry claims other local influences. "There is every Sunday recording session the ritual of cannabis. The album must not be hurt by these substances. We are Californians after all! Psychedelia, in spite of us, slips into our songs. Otherwise, few things are left to chance in our music, we follow our flight plan quite strictly. Even if we end up with miles of experiments! Songs eventually escape us, remain stuck in our heads. Our music wakes me up at night! " The cover warns of the perversity of the intentions of the duo. It features a palm tree planted in front of a blue sky California. Except that a cloud clung to his trunk, like a neck warmer on a summer evening. One way to consider the myth of endless summer, with a veiled sun, thwarted. Moreover, around Josh and Kerry, we find vineyards and redwoods. Not the least bright palm tree. We stay in Northern California when we tell Kerry that his last name, Fogarty, is very close to that of John Fogerty. His eyes light up. "His group, Creedence Clearwater Revival, is one of my favorites of all time. His way of integrating soul and rock is unique. I learned a lot from their sound. " Without demonstration of style, Parson Jones thus envisages all the music which make the buttocks dance and the brain meditate. Often in the same song, the temperatures play yo-yo, but it is the beneficence, the generosity, the nonchalance of the melodies that have the last word. It does not matter if the dressing is funk, rock, pop, soul, psychedelic, if the tone is euphoric or melancholic: it's the great and beautiful score of timeless pop-music played by Parson Jones. Eyelids closed, eyes turned in and looking cool. Once again, lives were saved by a Walkman. "When I was a kid, my parents had Beatles tapes. I listened to them nonstop. It was the beginning of my obsession with music. Of my quest. If it were up to me, I would only do that: listen and create music. When I discover a new song that obsesses me, I become a child again."

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Avec Satingarona pt. 2, The Bongo Hop tient, deux ans après un premier album unanimement salué, les promesses d’un prédécesseur qui avait posé un regard neuf sur les métissages afro-caribéens. Toujours accompagné de sa complice Nidia Gongora (Quantic, Ondatropica) ou du producteur Patchworks (Voilaaa), le globe trotter bordelais repart à la recherche de nouveaux terrains de jeu, aux cotés du rappeur Greg Frite (ex-Triptik), du chanteur haïtien Kephny Eliacin, ou encore de Laurène Pierre-Magnani (Lord Rectangle) et Cindy Pooch (Tikaniki). Il évolue, surprend, tout en restant fidèle à ses deux fondements : le souffle et la danse. --- Two years after his first album, Etienne Sevet aka The Bongo Hop vows to fulfill the expectations born after Satingarona pt 1, in which he’d laid the foundations of his own afro caribbean « metissage ». This time again, with Satingarona pt 2, the trumpetist hailing from Bordeaux is joined by his friends, colombian singer Nidia Gongora (Quantic, Ondatropica, Canalon) and french producer Patchworks (Voilaaa, Taggy Matcher), alongside newly met colaborators, like parisian impromptu MC Greg Frite, Haitian singer Kephny Eliacin, Cindy Pooch and young talent Laurene Pierre-Magnani from his hometown’s underground caribbean punk scene. New roads and new stories, to a same destination : the land of perpetual dance.

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Saphirs de platines endommagés par la dynamique de leurs 45trs, salles incendiées et rendues suffocantes par une débauche d’énergie à faire rouler un train, c’est pilotés par un funk abrupt et viscéral que The Buttshakers laissent les traces brûlantes de leurs passages. Après une décennie à exercer, c’est avec une autre vision musicale qu’ils ont abordé Sweet Reward, leur première collaboration avec Underdog Records. Ce sillon des scènes garage 60’s où le rock joue des coudes, ils auraient pu le labourer encore et toujours. Mais The Buttshakers ont décidé d’en sortir pour revenir à une soul qui ne s’en remettrait plus à l’énergie pure pour tout enfoncer sur son passage. Une soul qui se concentrerait sur la qualité de l’écriture, de la composition et de l’interprétation. Dépassant les limites imposées par leur pourtant percutante formation à six voix-basse-batterie-guitare-trombone-sax baryton, ils ont alors donné l’accès du studio à percussions pour du vice dans l’arrière-mix, cuivres supplémentaires pour section plus massive, clavier à nappes psychédéliques, slide-guitar et à tout ce qui viendrait concrétiser leurs idées et donner du relief à leurs productions. Figure de proue, la bouillante et soulful Ciara se retrouve pour la première fois épaulée de choeurs. L’occasion pour elle de quelques call & response, porte ouverte sur le gospel son enfance à Saint-Louis (Missouri), héritage encore vibrant de cette ville qui l’a bercée de jazz, de blues, mais aussi de country et de folk. Parfaite dans l’intimité d’un jeu de cordes comme dans la vélocité d’un funk nerveux pilonné aux cuivres. Idéale dans une soul où rien ne se lâche en bloc, mais s’apprécie dans une lente et progressive montée d’arrangements et d’émotions. Les détails se révèlent alors au fil des écoutes, comme une manche de laquelle on pourrait sortir plus d’as qu’un jeu classique en comporte. --- Driven by a vicious and visceral soul, The Buttshakers are known for their fierce and fiery music: turntables steam from the heat of their records, dance floors buckle under the blistering pressure of their infectious grooves, a group with a burning Midas’ touch. Yet after nearly a decade of touring and recording, it was with a different musical vision that they approached Sweet Rewards, their first collaboration with Underdog Records. Accustomed to the raw, primitive sounds of 60s garage rock and the crude sexuality of pre-Motown soul music, The Buttshakers have created a reputation as a “must see” live band, perfectly aligning loud rock riffs and lustful desires. A sound they could have continued to dig into again and again. Instead, they decided to take another route. A creative shift, a return to a style of soul music that no longer has to rely on pure energy alone; a sound that concentrates on the quality of writing, composition and interpretation rather than pure virility. Exceeding the limitations imposed by their tight yet powerful six person lineup (vocals-guitar-drums-bass-trombone-saxophone baritone), they opened up this studio session to fully accommodate their ideas and concretize their musical ambitions, emphasizing the subtle structures of the overall production: a larger horn section creates a richer, scintillating sonority; a touch of slide-guitar opens their creative universe to the open spaces of the far West; the organ vacillates between psychedelic drapery and heartfelt gospel tones; all of this supported by the wicked groove of a percussionist driving the beat on. Their sultry and soulful frontwoman, Ciara Thompson, is here for the first time supported by backing vocalist. An occasion for her to indulge in a few call-and-response chorales, a reverence to a gospel background instilled in her from her native St Louis (Missouri), a still vibrant heritage from the city that cradled jazz, blues, country and folk music. This new liberty gives her room to explore various emotional venues, exposing a voice capable of fitting perfecting within the intimacy of a stripped down acoustic ballad as well as a nervous funky break. Ideal for a sound that never lets down yet remains intuitive to the gradual rise of emotion each song demands. With each new listening, Sweet Rewards reveals something new to the listener: another dimension, a hidden layer. An album and a group that proves that they have more than one trick up their sleeves.

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Le groupe Tribeqa est né en 2003 de la rencontre de quatre musiciens nantais : Josselin Quentin au balafon et à la composition, Benjamin Bouton à la batterie, Jeff Vincendeau à la contrebasse et Fabien Ewenczyk à la guitare acoustique. Rapidement, le mélange « «Afro-Jazz-HipHop » que distille le groupe ne laisse pas le public indifférent, et Tribeqa commence à devenir une référence de la scène nantaise. C’est suite à la rencontre avec le flûtiste Malik Mezzadri que la formation enregistre son premier album. Parmi les invités de ce premier opus figurent Dj Greem (C2C, Hocus Pocus), la chanteuse Dajla (The White Tiger Society), Harouna Dembélé (Yelemba d’Abidjan) et bien sûr Magic Malik (- M-, Julien Lourau Groove Gang…) . Le groupe est alors repéré par le label Underdog Records, avec lequel il signe et sort l’album en 2008. Le disque est d’ailleurs particulièrement bien accueilli par la critique (4 étoiles Jazz Mag, Nova Aime, Sélection Fip…). Une tournée promotionnelle en France et à l’étranger s’effectue par la suite. Pour les besoins de celle-ci, Tribeqa change de guitariste (Etienne Arnoux-Moreau) et intègre Dj Djo aux platines. La musique du quintette évolue alors vers un son plus percutant et incisif au fil des concerts, tout en restant acoustique et métissée. En 2010, le groupe enregistre et sort son deuxième album : Qolors. On y découvre de nouveaux invités, rencontrés lors des différents concerts et voyages du groupe. Parmi eux figurent le rappeur Blake Worrell (PuppetMastaz), la griotte Kadi Coulibaly (Burkina Faso), et la chanteuse Mauikaï Gold (Backpack Jax, Los Angeles). La critique est de nouveau élogieuse pour ce deuxième opus (Sélection France Inter, Sélection Fip, 4 étoiles Evene…), et Tribeqa est invité à des émissions radios comme Le Pont des artistes d’Isabelle Dhordain, Summertime d’Elsa Boublil ou encore Musicalities de Manu Katché. Une nouvelle tournée est effectuée pour la promotion de Qolors, emmenant de nouveau les 5 musiciens sur les routes de France et de l’étranger. En 2012, le groupe décide de marquer une pause avant de préparer son troisième album.Josselin Quentin intègre pour sa part la tournée de C2C en tant que percussionniste .La même année débute l’enregistrement d’Experiment, dont la sortie est prévue pour avril 2016 chez Underdog Records. Pour cette occasion le groupe change sa formule et devient un trio composé de Josselin Quentin (Balafon, Voix), Etienne Arnoux-Moreau (Guitares , voix) et Jonas Le Fillastre (Machines, Platines).Sur ce nouvel album la musique de Tribeqa se teinte de nouvelles expérimentations.Le balafon et la guitare acoustique côtoient les platines et les boucles électroniques offrant un nouveau voyage sensoriel, vers un groove, puissant, moderne et novateur qui ne tourne pas le dos aux traditions.

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DAFUNIKS voit le jour au Danemark et prend forme lors d’un concert à Copenhague en novembre 2008. Depuis le groupe a su capter l’attention de beaucoup de monde sur la scène internationale. Le groupe arrive en France en mai 2009 pour un concert mémorable organisé par RADIO NOVA (Nuit Zébrée) qui jouait déjà depuis quelques mois en playlist le titre « All I Want Featuring Elias » A ce même moment JUST MIKE (OF DAFUNIKS) fait un remix d’un titre de WAX TAILOR « This Train » pour le magazine TRAX. Ce remix marque véritablement l’arrivée des DAFUNIKS en France et assoit leur légitimité sur la scène soul-hip-hop hexagonale. Le nom commence alors à se diffuser dans la petite famille des « groovers » parisiens devenant en peu de temps une référence incontournable.